Wie Wes Anderson, Tim Burton und Guillermo del Toro ihre erstaunlichen Erwachsenengeschichten verfilmen
Verschiedenes / / July 09, 2023
Anderer Ansatz, aber gemeinsame Botschaft.
Im modernen Kino gibt es viele Autoren, die ihren Filmen bewusst die Form eines Märchens geben. Gleichzeitig erlaubt uns die Thematik der Werke nicht, sie für Kinder zu betrachten. Wes Anderson, Guillermo del Toro, Tim Burton – trotz vieler stilistischer Unterschiede machen diese Regisseure Filme, die manchmal so genannt werden Märchen für Erwachsene. Wir verstehen, wie die Autoren das machen und warum die Märchenform so praktisch ist.
Wes Anderson ist ein Meister der leuchtenden Farben und der Melancholie
Wes Anderson ist einer der stilvollsten Regisseure in der Geschichte des Kinos. Bereits in den ersten Filmen begann er, Techniken anzuwenden, aus denen sich später herausstellte andere Gemälde. Die wichtigsten sind: Symmetrie, Zentrierung, eine große Farbpalette, Polygraphie, Nahaufnahmen. Durch die Kombination dieser Elemente entsteht ein einzigartiger Stil, der kaum mit irgendetwas zu verwechseln ist.
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Rahmen aus dem Film „Königreich des Vollmonds“
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Aufnahme aus dem Film „Das Grand Budapest Hotel“
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Aufnahme aus dem Film „Die Tenenbaum-Familie“
Hinzu kommt eine besondere Beziehung zur Musik. Wes Anderson nutzt aktiv bereits veröffentlichte Songs und fügt ihnen Soundtracks hinzu, die speziell für den Film geschrieben wurden. Durch Hits vermittelt der Regisseur innere Gefühle Helden. Und manchmal spielt nicht nur das Lied eine Rolle, sondern auch das Schicksal des Autors. So ist in „The Tenenbaum Family“ in einer der Szenen das Lied von Elliott Smith zu hören, einem Musiker, der Selbstmord begangen hat. Der Autor setzt seine Musik im dramatischsten Moment des Bildes ein.
Jede Technik spielt für Andersons Filme die wichtigste Rolle – die Schaffung von Künstlichkeit, Theatralik. Wenn der Autor ein Bild über ein Kinderlager („Königreich des Vollmonds“) dreht, erstellt er es von Grund auf, anstatt ein vorhandenes zu verwenden. Am Ende stellt sich heraus, dass es fabelhaft ist, eine Art kindliches Weltbild.
Aber wenn man die Bilder von Wes Anderson visuell als Kinderbilder bezeichnen kann, dann sind sie es thematisch definitiv nicht. Familienbeziehungen, der Kampf der Generationen, die Suche nach sich selbst, der Kampf um Freiheit – es ist offensichtlich, dass solche Probleme für ein erwachsenes Publikum verständlich sind. Gleichzeitig werden Kinder in Filmen oft dazu gezwungen, komplexe Probleme zu lösen. Sie sind in der Regel deutlich reifer als Erwachsene. Wenn dem Konflikt gebrandete visuelle Bilder hinzugefügt werden, entsteht die melancholische Eigenschaft von Andersons Tonbändern. Eine bunte Welt, die beim Betrachter Erinnerungen und Assoziationen weckt, verbindet sich mit Problemen aus dem Erwachsenenleben.
Es ist wichtig, dass Anderson sehr selten wirklich märchenhafte Welten verwendet (dies geschieht in der Regel nur in Cartoons). Es geht ihm viel mehr darum, aus der Realität Märchen zu erschaffen. Also der Zug („Train to Darjeeling“), Schule („Rushmore Academy“) und ein U-Boot („The Aquatic Life of Steve Zissou“) erweisen sich als bessere Kulisse als fiktive Orte.
Tim Burton – das Genie der Dunkelheit und Referenzen
Auch Tim Burton schreibt Märchen für Erwachsene, allerdings auf eine andere Art und Weise. Vielleicht wegen seiner Leidenschaft für das Thema Tod, das in seinen Gemälden eine besondere Rolle spielt. Helden sterben, wieder auferstehen, kämpfen gegen den Tod, es ist immer da. Allerdings wird es nicht als etwas Besonderes wahrgenommen – es ist ein natürlicher Teil des Lebens. Es stellt sich heraus, dass das eigentliche Thema der Filme die visuellen Bilder bestimmt dunkel, düstere Bänder.
Burtons Stil wird jedoch nicht nur von Themen, sondern auch von seinen persönlichen Vorlieben bestimmt. Der Regisseur lässt sich vom deutschen Expressionismus inspirieren. Er nimmt in seine Filme nicht nur einzelne Szenen auf (er hat immer viele Referenzen), sondern auch den Geist alter Gemälde. Übertriebene Emotionen, mysteriöse Charaktere und düstere Welten sind Elemente, die in fast jedem Werk des Autors zu finden sind. Gleichzeitig ist es wichtig, dass für Burton die Bedeutung des Lichts höher ist als die der Farbe. Vielleicht ist das ein direkter Einfluss Schwarz-Weiß-Kino, wo die Fähigkeit, mit Schatten und Mitteltönen zu spielen, oft die Emotionalität des Bildes bestimmte.
Zudem tendiert Tim Burton zum Gothic. Dunkle Paläste und mysteriöse Schurken ziehen ihn mehr an als moderne Landschaften. Sogar Gotham in seinem „Batman“ ähnelt eher der Domäne des Grafen Dracula und nicht der Stadt aus den Comics. Im Laufe der Jahre wurde deutlich, dass Burton dank seines visuellen Stils in der Lage ist, jedem Werk neues Leben einzuhauchen.
Trotz der Dunkelheit und des Todes, die Burtons Gemälden den Ton geben, dreht er seine Geschichten fast immer um Kinder. Häufiger als die gewöhnlichsten („Charlie und die Schokoladenfabrik“, „Alice im Wunderland“), aber manchmal in der Nähe erwachsener Kinder („Edward mit den Scherenhänden»). Als wichtigste Eigenschaft der Helden erweist sich kindliche Naivität. Darüber hinaus ist es das Kind, das die Welt mit ehrlichen Augen betrachten kann, was dazu beiträgt, das Problem in einem einzigen Film zu lösen.
Wenn gleichzeitig die Filme von Wes Anderson aufgrund der komplexen Probleme für das Kind nicht interessant sind, dann könnten die Filme von Tim Burton durchaus Gefallen finden – obwohl sie möglicherweise ein Albtraum sind. Letztlich besteht Burtons Publikum aus Erwachsenen, denen interessante Märchen fehlen.
Guillermo del Toro – intellektueller Wahnsinniger und Anarchist
Guillermo del Toro beweist einen besonderen Blick auf Märchen. Er nutzt sie, um sowohl über die einfachsten individuellen Schwierigkeiten als auch über soziale zu sprechen.
Regisseur ist ein Fan Monster. Hellboy, The Shape of Water, Pinocchio, Pans Labyrinth – in den meisten Filmen stehen ungewöhnliche Kreaturen im Mittelpunkt der Handlung, allerdings mit typisch menschlichen Problemen. Für sie ist es eine viel schwierigere Aufgabe, sich selbst, ihr Gesicht und ihren Körper zu akzeptieren, als die Welt zu retten. Das Aussehen spielt eine wirklich wichtige Rolle. Für die Helden von del Toro ist Hässlichkeit keine negative Eigenschaft, sondern einfach eine Eigenschaft. Und Schönheit im Hollywood-Sinn wird vom Regisseur als etwas Negatives wahrgenommen. Del Toro bereit seit Jahren arbeiten über das Aussehen der Charaktere, um ihre Einzigartigkeit hervorzuheben.
Der mexikanische Regisseur interpretiert Märchen nicht nur aus der Sicht äußerer, sondern auch sozialer Elemente neu. Die Machthaber erweisen sich fast immer als Bösewichte, während ein Betrüger, der versucht, die Hierarchie zu zerstören, Mitgefühl hervorruft. Wenn im klassischen Märchen der Prinz den Drachen töten will, dann ist in der Welt von del Toro alles umgekehrt: Das gequälte Monster tötet den bösen Thronfolger.
Die äußere Fabelhaftigkeit von del Toros Gemälden ist so trügerisch wie möglich. In seinen Geschichten finden sich Bezüge zu historischen und politischen Ereignissen sowie zur Religion. Manchmal kommt es ganz am Rande eines Fouls: zum Beispiel im jüngsten „Pinocchio„Dem Regisseur gelang es, die Holzpuppe mit Jesus Christus in Verbindung zu bringen (ganz zu schweigen von der Tatsache, dass sich die Ereignisse der Karikatur im faschistischen Italien entwickeln). Die Fähigkeit, mit Stil und Bildern zu spielen, ermöglicht es del Toro, mithilfe von Metaphern über jedes Thema zu sprechen.
Wes Anderson erschafft Märchen aus der Realität, Tim Burton verwandelt sie in Gothic-Romane, Guillermo del Toro sucht in Märchen nach Elementen der realen Welt. Jeder von ihnen passt hervorragend zum visuellen Spektrum und zur Stimmung, es ist unmöglich, ihre Bilder zu verwechseln. Und auch wenn Filme oberflächlich betrachtet oberflächlich erscheinen mögen, erweisen sie sich immer als komplizierter, als sie scheinen.
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