Retro- und Snydercut-Referenzen. Warum Regisseure Filme im fast quadratischen 4:3-Format drehen

Das Seitenverhältnis 4:3 ist seit den Anfängen des Kinos ein fester Bestandteil. Filme wurden damals auf 35-mm-Film gedreht, der das schmale Bildverhältnis lieferte. So wurde es für mehrere Jahrzehnte zu einer beliebten Norm.

Aber in den frühen 1950er Jahren änderte sich alles. Fernseher, die mit einem Seitenverhältnis von 4:3 erstellt wurden, sind in fast jedem Haushalt angekommen. Um das Publikum wieder in die Theater zu bringen, mussten die Studios dem Publikum etwas radikal Neues bieten.

So entstanden fortschrittliche Breitformate wie CinemaScope und mit ihnen die ersten Blockbuster - Western und Schößchen. Format 4:3 aus dem Kino wurde Fernsehen. Aber die Entwicklung der Technologie blieb nicht stehen, und in den 1990er Jahren war die Diagonale von Heimfernsehern erheblich gewachsen. Damit gehört dieses Seitenverhältnis endgültig der Vergangenheit an.

Aber heutzutage wird manchmal ganz bewusst das klassische Format gewählt. Eine so einfache Proportion nimmt dem Betrachter auf den ersten Blick nur einen Teil des Seherlebnisses. Es kommt aber auch vor, dass das Verhältnis von 4:3 ideal für eine künstlerische Aufgabe ist.

Es gibt mindestens fünf Gründe, warum das „antike“ Format seinen Platz im modernen Kino findet.

1. Eine Hommage an einen Klassiker

Das Seitenverhältnis 4:3 ist so stark mit der frühen Ära des Filmemachens verbunden, dass es oft für Retro-Styling verwendet wird. So ist in Rebecca Halls Regiedebüt „Identity“ die Nachahmung von Hollywood-Klassikern in allem zu spüren – angefangen von den langsamen Kamerafahrten bis hin zu Schwarz und weiß Gamma und endet mit einem schmalen Seitenverhältnis.

Auch der „Künstler“ des französischen Regisseurs Michel Hazanavicius ist nach den Mustern des klassischen Hollywood geschneidert. Außerdem ist der Film fast komplett stumm. Dies hinderte die Autoren jedoch nicht daran, das Projekt für moderne Zuschauer interessant zu machen.

Eine ähnliche Retro-Stilisierung verwendete Sam Raimi in seinem Film „Oz der Große und Mächtige». Der Anfang des Films wurde in Schwarzweiß und mit einem akademischen Seitenverhältnis gedreht. Später, als der Held ein magisches Land betritt, erweitern sich die Ränder des Rahmens auf wundersame Weise und das Bild nimmt Farbe an.

2. Um nostalgische Gefühle hervorzurufen

Einige moderne Regisseure stilisieren ihre Filme bewusst wie VHS-Kassetten, und auch hier kommt das 4:3-Format ins Spiel. Schließlich sahen damals genau so die Bilder aus, die auf Kassetten herauskamen.

Zum Beispiel Jonah Hill in ihrem Regiedebüt „Mitte der 90er“, als würde er sich an seine eigene Kindheit erinnern. Und dabei halfen ihm nicht nur liebevoll nachgebildete Alltagsdetails wie ein T-Shirt mit Beavis und Butt-Head, sondern auch ein gemütliches, natives 4:3-Format.

Auch "Crystal" der weißrussischen Regisseurin Darya Zhuk erzählt von den 90ern und verbindet dabei komische und tragische Intonationen. Laut der Handlung versucht ein junges Mädchen Velya, in die Vereinigten Staaten auszuwandern. Dafür muss sie Minsk vorübergehend in eine abgelegene Provinz verlassen. Dort will die Heldin eine Woche in einer fremden Wohnung auf den begehrten Anruf der Botschaft warten, wo sie nicht sehr willkommen ist.

Die Kostümdesigner suchten speziell in Second-Hand-Läden nach Kleidung für die Helden, und einige der Szenen wurden auf dem Territorium einer echten Kristallfabrik in Borisov gedreht. Mit einem Wort, der Film vermittelt perfekt den Charme der Ära, und das gute alte 4:3 hilft ihm dabei nur.

3. Um Emotion und Individualität zu schattieren

Das Breitformat hat seine Vorteile, besonders wenn Sie atemberaubende Action oder schöne Landschaften zeigen möchten. Es ist jedoch ziemlich schwierig, eine Person in diesen länglichen horizontalen Raum zu passen. Nahaufnahmen verlieren sofort jegliche Aussagekraft: Alles unterhalb der Schultern wird gnadenlos abgeschnitten, an den Seiten ist zu viel Leerraum.

Sie können beide Ansätze am Beispiel der Justice League vergleichen. Ursprünglich sollte Zack Snyder es drehen, aber aus mehreren Gründen verließ der Regisseur das Projekt, bevor er die Arbeit abschließen konnte. Sein Platz wurde vom Schöpfer des Filmuniversums Avengers, Joss Whedon, eingenommen. Aber das daraus resultierende Frankenstein-Monster kam weder bei den Fans noch bei Warner Bros. gut an.

Ein paar Jahre später sorgten Snyders Fans dafür, dass der Regisseur eine alternative Version von The League auf HBO Max veröffentlichte, die seiner so nahe wie möglich kam kreative Methode.

Das Bild wurde mit der Zeit nicht nur dunkler und länger, sondern kam auch in einem für Filmcomics unkonventionellen Seitenverhältnis heraus. Das Band beginnt sogar mit der Überschrift „Dieser Film wird in 4:3 präsentiert, um die Integrität von Zack Snyders kreativer Vision zu bewahren.“

Die Entscheidung überraschte viele Zuschauer. Einige Fans hatten das Gefühl, dass Zach die Ränder des Rahmens beschnitten hatte, nur um seine „League“ so weit wie möglich von der von Whedon zu unterscheiden. Aber in Wirklichkeit wollte Snyder den Film von Anfang an in diesem Format haben, und übrigens ist das Bild nur in der Kinofassung beschnitten.

Wie der Autor des YouTube-Kanals „Noise and Draft“ in einem seiner Videos zu Recht feststellte, ermöglichte der schmale Rahmen dem Regisseur, sich stärker auf die Emotionen der Charaktere zu konzentrieren.

Britische Regisseurin Andrea ArnoldSturmhöhe“, „American Cutie“) machte das Seitenverhältnis von 4:3 generell zu einem Teil ihres kreativen Stils. Durch das Komprimieren des Rahmens erreicht sie ein Gefühl maximaler Nähe zu den Figuren. Darüber hinaus ist es dieses Seitenverhältnis, das den Charakter am organischsten umrahmt und ein intimes, emotionales Porträt auf dem Bildschirm perfekt erzeugt.

4. Zur märchenhaften Atmosphäre beitragen

Der schmale Rahmen wird vom anerkannten Geschichtenerzähler nicht umsonst geliebt Wes Anderson. Im Grand Budapest Hotel beispielsweise verwendet er gleich drei verschiedene Formate. Der Film beginnt mit 1,85:1 (dem Standard, der in den meisten Kinofilmen verwendet wird), dann schaltet der Regisseur kurz auf Ultra-Wide 2,35:1 um.

Aber als Hauptregisseur nimmt er genau das 4:3-Verhältnis – alle Szenen der 1930er-Jahre wurden darin gedreht. Dies geschah nicht nur, um der Ästhetik dieser Zeit zu entsprechen, sondern auch, um die Fabelhaftigkeit und sogar das Puppenspiel von allem, was passiert, hervorzuheben.

Will Sharp, Biopic-RegisseurKatzenwelten von Louis Wain“, wählte für seinen Film auch nicht umsonst ein Seitenverhältnis von 4:3. Der Film beginnt als charmantes Tape über ein verrücktes Genie.

Nach dem Tod seines Vaters bleibt der junge Aristokrat Louis Wayne mit seiner Mutter und fünf jüngeren Schwestern zurück. Doch weit mehr als die Pflege von Angehörigen faszinieren ihn Tierporträts und Theorien zur Elektrizität. In diesem Stadium soll der Betrachter, so die Idee, das Gefühl haben, ein Buch mit Märchen zu betrachten.

Doch dann verdichten sich allmählich die Wolken über den Helden. Louis heiratet gegen den Willen seiner Familie die Gouvernante Emily. Sie ziehen aus der Stadt und eine Katze bekommen Peter genannt. Mit tragischen Nachrichten ändert sich jedoch alles. Ab diesem Moment verwandelt sich das Märchen unmerklich in einen schweren und weitgehend deprimierenden Film.

Auch das 4:3-Format wird allmählich etwas anders wahrgenommen. Jetzt verkörpert er das enge Denken der Menschen der viktorianischen Ära und den Rahmen, in den die erstaunliche und weite Welt von Louis Wayne, einem Künstler, der seiner Zeit voraus war, nicht passen konnte.

5. Um ein Gefühl des Unbehagens zu erzeugen

Dauerbrenner des herausragenden Drehbuchautors und Regisseurs Charlie Kaufman“Überlege, wie ich das alles beenden kannEs ist schwer, es jedem zu empfehlen. Dieser Film erschreckt mit einer Atmosphäre existenziellen Grauens, er ist brillant und gleichzeitig furchtbar unbequem.

Der Handlung zufolge geht ein junges Mädchen zusammen mit ihrem Freund zu seinen Eltern. Gleichzeitig überlegt sie, dass sie diese Beziehung gerne beenden würde. Doch als das Paar ankommt, beginnt etwas Seltsames.

Charaktere tauchen plötzlich auf und verschwinden, werden jünger und älter, die Heldin wechselt Namen und Beruf. Im Laufe der Entwicklung der Handlung scheint es, als sei man mit den Wahnsinnigen allein eingesperrt und es gebe überhaupt keinen Ausweg aus diesem Erstickungszustand. Darüber hinaus steigert der Regisseur das Gefühl weiter Klaustrophobie mit einem fast quadratischen Rahmenformat.

Eine ähnliche Technik verwendet Kantemir Balagov in seinem Debüt „Tightness“. Der Regisseur versuchte, in allem ein Gefühl der Zwanghaftigkeit zu vermitteln. Dazu begrenzt er den Rahmen auf schmale Rahmen und füllt ihn auch bis zum Rand mit Zeichen. Infolgedessen war der Film äußerst schwer wahrnehmbar, aber absolut jeder bemerkte das Talent des Regisseurs.

Im zweiten Spielfilm von Robert Eggers kommt ein junger Typ Ephraim einsam an Leuchtturmdort als Hilfshausmeister zu arbeiten. Doch sein Boss, Thomas Wake, hält den Rookie von der Laterne fern und gibt ihm verrückte Aufgaben. Allmählich beginnt Ephraim mit Paranoia, Schlaflosigkeit und seltsamen Visionen durchzudrehen.

Und auch hier wirkt sich das Seitenverhältnis des Rahmens, gepaart mit Schwarzweiß, hervorragend auf die Atmosphäre des Bildes aus. Die Charaktere scheinen in den schmalen Rahmen des Bildschirms eingesperrt und zu einem Konflikt verdammt, der sicherlich tragisch enden wird.