Wie Filmemacher den Zuschauern helfen, ihre Filme zu lieben

Wenn über Kino gesprochen wird, wird meistens über die Handlung und das Schauspiel gesprochen. Natürlich sind dies wichtige Teile eines jeden Films. Aber es kommt vor, dass Sie Ihre Augen nicht von einem Bild abwenden können, obwohl sich die Handlung sehr langsam entwickelt und eine andere Geschichte trotz der vielen Ereignisse schnell langweilig wird. Einige Autoren schaffen es, den Betrachter an die fantastischsten Wendungen zu glauben, während andere sogar reale Situationen wie Spielzeug schaffen. Und es ist einfach schön, einige Bänder anzusehen, während andere schwierig sind.

Die Sache ist, dass es neben der Handlung und den Schauspielern viele interessante technische Tricks gibt, mit denen Regisseure dem Betrachter helfen, die Handlung zu spüren und zu genießen, was auf dem Bildschirm passiert. Diese Feinheiten werden vielleicht nicht einmal bemerkt, aber sie beeinflussen die Wahrnehmung des Bildes immer noch stark.

Farbspektrum

Das Erste, was zu bemerken ist, ist, dass die Farben in den Filmen oft überhaupt nicht die gleichen sind wie im wirklichen Leben. Es kann ziemlich offensichtlich sein (zum Beispiel, wenn das Bild schwarzweiß ist), oder Sie erkennen es nicht sofort. Aber es ist kein Zufall.

Atmosphäre schaffen

Mit Hilfe von Farben können Sie die Atmosphäre des Geschehens besser vermitteln, eine Stimmung für den Betrachter schaffen und sogar die Gefühle der Charaktere selbst zeigen.

Nehmen Sie zum Beispiel das beliebte Franchise “X-Men». In der Hauptserie ähnelt das helle und reichhaltige Bild Comics. Und im Gegensatz zu ihnen in Noir "Logan", wo sie über das Alter und die Müdigkeit des Helden sprechen, werden hellere Töne gewählt.

In dem Film "Mad Max: Fury Road" spielt sich der Großteil der Action in einer heißen Wüstengegend ab. Es ist logisch, dass das Bild in gelb-orangen Tönen aufgenommen wurde, wodurch Sie die sengende Sonne und Trockenheit spüren.

Aus Gründen der Übersichtlichkeit können Sie einen Rahmen nehmen und das Farbschema ändern. Es wird sofort scheinen, dass es kälter geworden ist.

Um ein kontrastierendes Bild zu erzeugen, werden moderne Blockbuster und im Allgemeinen das Massenkino blauer und orangefarbener gestaltet.

Und hier ist der berühmte Wes Anderson liebt eine weiche rosa Palette. Es gibt dem Betrachter das Gefühl eines alten romantischen Films. Und alles, was passiert, wird ruhiger und einfacher wahrgenommen.

Wenn sie eine Atmosphäre der Zukunft und der Fantasie schaffen wollen, werden sie auch oft blau. Und sie lieben besonders Neonfarben, die im Kopf des Betrachters fest mit Cyberpunk und Technologie verbunden sind.

Unnötig zu sagen, dass die Autoren Horrorfilme bevorzuge dunkle Farben. Dafür gibt es mehrere Gründe. Natürlich ist dies teilweise eine Möglichkeit, die Atmosphäre zu pumpen. Viele Menschen haben bereits Angst vor der Dunkelheit, und in Horrorfilmen verstecken sich auch Monster darin.

Darüber hinaus können Sie mit einem dunklen Bild die Unvollkommenheiten von Grafiken oder Make-up leicht verbergen und bei der Produktion sparen. Dies birgt zwar die Gefahr: Wenn Sie den Rahmen zu stark abdunkeln, kann der Betrachter möglicherweise einfach nicht sehen, was auf dem Bildschirm geschieht, insbesondere in einem schlechten Kino oder auf einem alten Fernseher. Dies war beispielsweise im Film Slenderman aus dem Jahr 2018 der Fall.

Obwohl einige Originalregisseure im Gegensatz dazu spielen können. Zum Beispiel Ari Astaire in „SonnenwendeZeigte die typische Atmosphäre eines Horrorfilms: Die Helden befinden sich in einem abgelegenen Dorf, in dem schreckliche Dinge passieren.

Gleichzeitig ist das Bild sehr hell, es gibt fast keine dunklen Szenen und die Kleidung der Helden ist schneeweiß. Und das macht es noch schrecklicher, denn es gibt keinen Ort, an dem man sich vor dem Grauen verstecken kann.

Grundstücksteile trennen

Ein Film kann mehrere verschiedene Farbfilter haben. Sie werden verwendet, um Handlungsstränge klarer zu trennen. Und mit dem richtigen Talent hilft dieser Ansatz, das Bild aufzuhellen.

Ein gutes Beispiel ist „Matrix». Das Logo dieses Bandes wurde mit grünen Codesymbolen erstellt, die das Programm kennzeichnen, in dem Menschen leben. Deshalb wurde alles, was in der virtuellen Welt passiert, durch einen grünlichen Filter gefilmt. Und reale Ereignisse werden blau angezeigt.

Und erst ganz am Ende des dritten Teils, wenn Menschen und Maschinen ein Friedensabkommen geschlossen haben, erscheinen gleichzeitig reine blaue und grüne Farben im Rahmen.

Im Film Christopher nolan "Anfängliche" Helden bewegen sich aus der realen Welt in den Schlaf, dann in den Schlaf und so weiter. Um die „Ebenen“ klarer voneinander zu trennen, wählte der Regisseur für jede Ebene ein eigenes Farbschema.

In der ersten Schlafstufe wird alles in einer blauen Palette gefilmt, die zweite ist gelb, die dritte ist weiß. Und erst im letzten Traum kommen alle Schatten wieder zusammen, wie in der realen Welt.

In Blade Runner 2049 Denis Villeneuve Verschiedene Farben spiegelten sowohl den Ort als auch den inneren Zustand des Protagonisten wider.

Alles beginnt damit, dass Ryan Goslings Charakter im Nebel wandert, dann geht er durch eine heiße orangefarbene Wüste, Neon-Futurismus und eine Nachtflut. Und die Geschichte endet auf einem schneeweißen Hintergrund, der Ruhe und Reinigung widerspiegelt.

Verweigerung der Farbe

Es waren einmal alle Filme Schwarz und weiß. Einfach, weil sie nicht wussten, wie man anders fotografiert, und es möglich war, die Rahmen nur von Hand zu färben. Dann kamen Farbfilme und die Kinematographie wurde viel realistischer.

Gleichzeitig gehört die Schwarz-Weiß-Fotografie nicht ganz der Vergangenheit an. Sie werden immer noch für künstlerische Zwecke verwendet. Zum Beispiel, um verschiedene Welten oder Handlungsstränge abzugrenzen.

In The Wizard of Oz von 1939 erscheint Farbe, wenn Dolly die Feenwelt betritt.

In "Stalker" von Andrey Tarkovsky fehlen auch im normalen Leben der Helden Farben. Und wenn die Charaktere in die mystische "Zone" gelangen, wird die Welt hell - hier offenbaren sich die Menschen wirklich.

Oder Christopher Nolan im Band "Remember" zeigte einen Teil der Aktion in direkter Reihenfolge und den zweiten - im Gegenteil. Daher wird die Hälfte des Films in Farbe und die andere in Schwarzweiß aufgenommen.

Darüber hinaus können Sie mit einem Schwarzweißbild bestimmte Details lebendiger hervorheben, indem Sie ihnen einfach Farbe hinzufügen. Zum ersten Mal tat Sergei Eisenstein dies, als er die Flagge im Schlachtschiff Potemkin von 1925 manuell bemalte.

Anschließend wurde diese Technik in völlig anderen Genres eingesetzt. In der "Schindler-Liste" Steven Spielberg Das Erscheinen eines Mädchens in einem roten Mantel wird zu einem der emotionalsten Momente.

Und selbst im Comicfilm Sin City wird dieser Ansatz wiederholt angewendet, wobei der Schwerpunkt auf rotem Lippenstift, hellen Augen oder Blut liegt.

Rahmenkonstruktion

Drittelregel

Eines der Grundprinzipien des Kinos und Fotografie. Dies ist so etwas wie eine vereinfachte Regel des "Goldenen Schnitts".

Es ist ganz einfach: Beim Aufnehmen ist der Bildschirm vertikal und horizontal in drei Teile unterteilt. Die wichtigsten Elemente für das Diagramm sollten sich auf diesen Linien sowie an ihrem Schnittpunkt befinden. Dies erleichtert es dem Betrachter, sich auf die gewünschten Punkte zu konzentrieren.

In ein Quadrat legen

Wenn Sie den Rahmen bedingt in zwei Hälften oder in vier gleiche Teile teilen, können Sie dem Betrachter ohne Worte verständlich machen, welchen Platz der Charakter in der Geschichte einnimmt.

Diese Technik ist am deutlichsten auf dem Band "Drive" zu sehen. Nicholas Winding Refna. Wenn beispielsweise das Gesicht des Hauptcharakters in der oberen linken Ecke angezeigt wird und im nächsten Frame ein anderes Zeichen an derselben Stelle angezeigt wird, ist dies ein Hinweis darauf, dass die Charaktere Rivalen sind.

Darüber hinaus kann derselbe Refn zwei Geschichten parallel erzählen: im oberen und unteren Teil des Bildschirms oder in der linken und rechten Hälfte. Der Betrachter bemerkt diese Bewegung möglicherweise nicht, aber die Wahrnehmung der Charaktere ist dennoch vollständiger. Außerdem ist es einfach wunderschön.

Symmetrie

Eine andere psychologische und ästhetische Technik zugleich. Oft werden Aufnahmen, bei denen die linke Hälfte die rechte Hälfte widerspiegelt, nur aus Schönheitsgründen gemacht.

Aber manchmal vermitteln sie den Gegensatz der Charaktere. Und wenn der Held in den Spiegel schaut, zeigt er seine dunkle Seite oder den Unterschied zwischen Träumen und Wirklichkeit. Kurz gesagt, jede Allegorie, die man sich zum Nachdenken vorstellen kann.

Niederländische Ecke

Um die Instabilität der Hauptleitung zu zeigen Held, seine Zweifel an etwas oder Gedächtnisproblemen, verwenden eine sehr visuelle Technik. Holländischer Winkel bedeutet, dass die Kamera nicht gerade, sondern geneigt fotografiert. Viele Beispiele für diesen Ansatz finden sich in den Filmen von Danny Boyle.

Es ist ungewöhnlich, dass der Betrachter das Bild aus einem Winkel betrachtet, um den unangenehmen Zustand des Charakters besser wahrzunehmen.

Es ist jedoch wichtig, die Maßnahme hier zu beachten. Zum Beispiel wurde der katastrophale Film "Battlefield: Earth" völlig schräg gedreht. Aber in anderthalb Stunden wird der Betrachter höchstwahrscheinlich nur noch Halsschmerzen haben.

Schießen von unten und von oben

Eine weitere einfache, aber effektive Technik, mit der Sie das Selbstgefühl der Helden vermitteln können. So können Sie beispielsweise zeigen, wer die Situation beherrscht. Und dann fallen mir sofort die Bänder ein Quentin Tarantinowo die Charaktere in den Kofferraum schauen.

Wenn Sie von oben schießen, haben Sie das Gefühl, dass sich der Held unsicher fühlt. So lustig haben sie es in der berühmten Szene aus dem Film "What Men Talk About" gespielt, in der die Figur von Kamil Larin wie ein Kind den Portier in einem teuren Restaurant entschuldigt:

Dialog und Bewegung

Hintergrundaktion

Eine Technik, die am häufigsten in Comedy oder Horror verwendet wird. Im Vordergrund passiert nichts Interessantes. Und das Wichtigste entfaltet sich vor dem Hintergrund, der abgedunkelt oder unscharf werden kann.

Zum Beispiel die Hauptfigur des Films „Zombie namens Sean"geht in den Laden. Alles ist sehr banal für ihn. Und im Hintergrund gibt es eine echte Apokalypse:

Je nach Genre und Präsentation kann dies entweder einen sehr lustigen Effekt oder eine Spannung erzeugen - in Horrorfilmen sind die Hauptschreier oft versteckt.

Gespräche in Bewegung

Die häufigste Art von Dialog in Filmen ist, dass Charaktere sitzen und chatten. In diesem Fall wechselt die Kamera traditionell zwischen Gesichtern.

Aber wenn die Szene zu lang wird, dann Zuschauer Werden Sie müde von der ständigen Wiederholung der gleichen Winkel. Gute Regisseure ergänzen oder ändern daher die Einstellung solcher Szenen.

In Quentin Tarantinos Filmen sprechen die Charaktere fast ständig. Aber der Meister lässt Sie nicht langweilen, denn während der Fahrt können Dialoge stattfinden. Aufgrund des sich ständig ändernden Hintergrunds wirkt die Aktion nicht eintönig.

Und selbst wenn sich die Charaktere im selben Raum befinden, schaltet die Kamera nicht nur um. Sie kann sich um sie herum bewegen und so den Effekt von Präsenz und sogar Teilnahme am Gespräch erzeugen. Fast alle Zeichen können ohne unnötige Bearbeitung angezeigt werden.

Nicholas Winding Refn schafft es, das bereits erwähnte Spiel mit Farbe und Reflexion in einfachen Gesprächen zu verwenden. In Drive scheint der erste Dialog der Protagonisten sehr einfach auszusehen.

Aber zur selben Zeit der Charakter Ryan Gosling ist immer auf einem blauen Hintergrund (dieses Farbschema begleitet ihn während des gesamten Films). Und die Heldin Carey Mulligan steht an den orangefarbenen Wänden. Und das zeigt, dass etwas sie trennt, obwohl sie nahe beieinander liegen.

Die 180-Grad-Regel

Es gibt noch einen wichtigen Punkt beim Filmen. Wenn Sie die Kamera beim Ändern des Winkels um mehr als 180 Grad bewegen, wird der Betrachter verwirrt. Wenn der Held zum Beispiel rennt, scheint er sich umzudrehen und sich in die entgegengesetzte Richtung zu bewegen.

Dies ist auch bei Dialogen gleichermaßen wichtig. Um nicht den Eindruck zu erwecken, dass sich alle Personen im Bild abrupt bewegt haben, wählen Bediener und Regisseur eine bestimmte Linie, über die die Kamera nicht hinausgehen soll.

Es ist merkwürdig, dass ein absichtlicher Verstoß gegen diese Regel nur dazu verwendet werden kann, den Betrachter zu verwirren und die Verwirrung des Helden zu zeigen. Und mit der gebotenen Fantasie kreieren die Autoren ungewöhnlichere Szenen. Zum Beispiel ein Gespräch Gollum Mit mir. Der Charakter wird einfach von verschiedenen Seiten gezeigt, aber dies erzeugt den Effekt, dass es zwei Sprecher gibt und sie sich im Dialog befinden.

Installationsfunktionen

Durch das Bearbeiten können Sie die Handlung des Films dynamischer gestalten, die langweiligen Momente des Lebens "überspringen" und sehen, was aus verschiedenen Blickwinkeln geschieht. Die einfachste Form ist die Erzählung. Das heißt, die Ereignisse im Frame finden nacheinander statt. Dies wurde am deutlichsten in Der Mann vom Boulevard des Capuchins erklärt.

Sie können die Ereignisse des Films jedoch auf andere Weise zeigen, und dafür verwenden sie unterschiedliche Techniken.

Parallele Installation

Im Gegensatz zum sequentiellen Geschichtenerzählen möchten Autoren manchmal, dass das Publikum sieht, was zur gleichen Zeit an verschiedenen Orten passiert. Und dann Direktoren Siehe Parallelverdrahtung.

Dies macht die Handlung ereignisreicher. Aber Vorsicht ist geboten. Wenn Sie nacheinander die Szenen zeigen, die gleichzeitig auftreten, haben Sie möglicherweise den Eindruck, dass jede von ihnen länger dauert.

Ein markantes Beispiel für eine erfolglose parallele Bearbeitung ist "Fast and Furious 6". Die Helden versuchen, in einem Flugzeug zu fliehen, das die Landebahn entlang fährt, Autos jagen sie und im Inneren des Liners findet ein Kampf statt.

Die Autoren demonstrieren so viele Ereignisse gleichzeitig, dass das Flugzeug auf dem Bildschirm mindestens 15 Minuten lang zu beschleunigen scheint. Unnötig zu sagen, dass dies den ganzen Realismus der Situation tötet?

Christopher Nolan hingegen gilt weithin als Meister der parallelen Bearbeitung. Der Regisseur verwendet es in vielen seiner Werke, aber das beste Beispiel ist Inception. Ereignisse auf verschiedenen Schlafniveaus treten gleichzeitig und mit unterschiedlichen Raten auf (im tieferen Schlaf bewegt sich die Zeit langsamer).

Hier wird die bereits erwähnte Farbtrennung zur Aktion hinzugefügt und der Betrachter wird nicht verwirrt, was passiert, sondern erkennt die gesamte Globalität der Ereignisse.

Interessant ist übrigens, dass Nolan im Film "Dunkirk" mit dieser Technik noch witziger ist. Parallel dazu werden die Ereignisse am Boden, im Wasser und in der Luft gezeigt. Tatsächlich ist die Chronologie völlig anders und alles konvergiert nur im Finale.

Rückblenden und Flash Forwards

Manchmal binden Autoren ihre Erinnerungen aus der Vergangenheit - Rückblenden - in die lineare Geschichte der Charaktere ein. Dies können sehr kurze Blitze von wenigen Sekunden oder ganze Handlungsstränge sein.

Ein großer Liebhaber solcher Momente - Jean-Marc Vallee. So fügt er den scheinbar ruhigen Szenen Spannung hinzu. Oder er macht deutlich, dass der Charakter jemanden täuscht: Er sagt eine Sache, aber in seinen Erinnerungen erscheint etwas völlig anderes.

Es ist leicht zu erraten, dass Flashforwards dieselben Geschichten sind, aber aus der Zukunft. Sie werden seltener verwendet, normalerweise in Science-Fiction- oder mystischen Geschichten. Mit einer solchen Technik bauten sie sogar eine ganze Serie auf, in der jeder Mensch während einer bestimmten Sonnenfinsternis einen Moment von seinem sah die Zukunft.

Und weiter unten in der Handlung versuchen alle, die Gründe für das Geschehen herauszufinden und die Bedeutung ihrer Visionen zu verstehen. Die Serie wurde so benannt: Flashforward (in russischer Übersetzung - "Denken Sie daran, was passieren wird"). Es stimmt, er hat nur eine Saison gedauert.

Sprungschnitt

Diese Technik gilt bereits für die lineare Bearbeitung. Es bedeutet einen scharfen Übergang zwischen den Aufnahmen. Sie verwenden es für ganz andere Zwecke.

In Frank Oz 'Little Shop of Horrors zeigt diese Montage den langen und langweiligen Lauf der Zeit.

Aber Lars von Trier, der in seinen Arbeiten auch oft Jump-Kat verwendet, vermittelt auf diese Weise den emotionalen Stress und die psychische Instabilität der Charaktere. Wenn Sie so fotografieren, wird das Bild "nervöser". Im "Idiots" -Band ist dies sehr angemessen:

Form- und Tonbearbeitung

Damit die verschiedenen im Film gezeigten Ereignisse als Fortsetzung voneinander wahrgenommen werden, verwenden die Autoren häufig visuelle Zufälle. Das heißt, die Umrisse eines Objekts in einem Frame werden im nächsten wiederholt. Und manchmal kann es sehr witzig aussehen.

Auf die gleiche Weise können Sie den Betrachter mit Ton "einhaken". Der Schrei geht mit dem Pfeifen des Dampfers weiter und das industrielle Rumpeln wird ersetzt Musik- das gleiche Tempo. Oder das Zischen einer beschädigten Pfeife verwandelt sich in ein Knistern von Braten.

Darüber hinaus kann der Ton etwas vor oder hinter dem auf dem Bildschirm angezeigten Ton liegen. Dies geschieht, um die Szenen besser miteinander zu verbinden. Das heißt, der Betrachter hört immer noch Sprache und Rascheln aus dem vorherigen Bild, aber die Aktion hat sich bereits geändert. Oder umgekehrt.

Fehlende Installation

Dies ist ein mutiger Schritt: Regisseure drehen lange Szenen, ohne sie zu bearbeiten, oder verstecken sie auf verschiedene Weise.

Dies macht das Geschehen auf dem Bildschirm realistischer und gibt dem Betrachter ein Gefühl für das Tempo der Geschichte. Aber dieser Ansatz erfordert natürlich viel mehr Proben und Investitionen. Schließlich können Sie während der Verarbeitung erfolglose Kleinigkeiten ausschneiden.

So zeigte Joe Wright im Film "Atonement" eine fünfminütige Szene mit der Evakuierung von Truppen aus Dünkirchen während Zweiter Weltkrieg. In der Menge waren 1.300 Personen beteiligt, wobei sich die Ausrüstung im Rahmen bewegte und im Hintergrund Explosionen auftraten. Es ist dieser Ansatz, der all die Dunkelheit und das Chaos dessen vermittelt, was geschieht.

Moderne Technologien ermöglichen eine genauere Handhabung der Installation. Und es half Alejandro Gonzalez Iñárrit, Birdman zu erschießen. Darin merkt man nicht einmal sofort, dass die gesamte Aktion in einem fortlaufenden Frame angezeigt wird.

Tatsächlich ist die Montage da, aber versteckt. Spleiße entstehen, wenn die Kamera durch ein dunkles Element läuft.

Und noch stärker sieht "Russian Ark" von Alexander Sokurov aus. Die Aktion findet in der Eremitage statt und der Regisseur erhielt einen Tag Zeit zum Filmen. Deshalb beschloss er, das Bild ohne Kleben aufzunehmen.

Es dauerte sieben Monate Proben mit 800 Extras. Infolgedessen drehten sie ab der dritten Einstellung einen ganzen Film mit einer Dauer von 1 Stunde und 27 Minuten.

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In der Tat gibt es viel mehr solche Feinheiten. Viele von ihnen erfordern jedoch bereits fundierte Kenntnisse in Regie und Kinematographie. Dies sind nur einfache Beispiele, die in vielen Filmen zu sehen sind. Und wenn Sie sich das nächste Bild ansehen, werden Sie sicherlich von der "niederländischen Ecke" oder einem langen Rahmen ohne Bearbeitung beeindruckt sein. Aber das wird die Magie nicht brechen Kinematographieim Gegenteil, es wird das Betrachten noch interessanter machen.