„Meine fünfjährige Tochter wird genauso zeichnen“: Wie man anfängt, Kunst zu verstehen und was man dazu wissen sollte

Wir behandeln die Werke von Künstlern oder Bildhauern stets subjektiv, da es in der Kreativität keine strengen Maßstäbe gibt. Der Kunstkritiker Nikita Monich erklärte den Hörern des Science Pulverizer-Podcasts, wie man Kunst verstehen lernt und ob man Stereotypen über das Leben und Werk von Künstlern glauben kann.

Muss ein Künstler wirklich hungrig sein?

Schwere Frage. Dieses Klischee begegnet uns sehr oft. Aber ersetzen wir das Wort „Künstler“ durch den Namen eines anderen Berufs. Stimmt es, dass ein Mathematiker, ein Mechaniker, ein Minister oder ein Präsident in Armut leben sollte? Wenn jeder von uns über sein eigenes Geschäft nachdenkt, werden wir höchstwahrscheinlich zu dem Schluss kommen: „Ich arbeite auf jeden Fall, um nicht hungrig zu sein.“ Und Künstler gehen genauso mit ihrer Arbeit um.

Es lohnt sich auch zu klären, was „professioneller Künstler“ bedeutet.

Es kommt jedoch vor, dass das Werk eines Malers erst nach seinem Tod eine würdige Bewertung erhält. Es gibt viele Schöpfer, die ein armes Leben führten und unverstanden starben. Und sie hatten keine Zeit zu erkennen, dass ihre Bilder gefragt waren. Kunsthistoriker glauben daher: Wenn die Werke des Malers einen hohen Stellenwert erlangt haben, kann er als Fachmann angesehen werden, der einen bedeutenden Beitrag zur Kunst geleistet hat.

Ein Künstler muss natürlich nicht hungrig sein, aber manchmal ist er gezwungen, in Armut zu leben. Es kommt vor, dass seine Vision der Welt, seine Botschaften, die er durch seine Werke zu vermitteln versucht, bei denen, die die Bilder kaufen, keinen Anklang finden. Dies passiert häufig Innovatoren. Oder mit denen, die nur in einem kurzen Zeitraum ihres kreativen Lebens Anerkennung erfahren. Dann bleiben diese Meister wirklich hungrig.

Aber zum Glück kennen wir viele Künstlerdie erfolgreich waren. Sie verstanden sehr gut, was ihre Zeitgenossen brauchten. Und sie könnten den traditionellen Ansätzen auch eine neue Vision hinzufügen. Aber sie taten es in Dosen – damit die Gesellschaft ihre innovativen Entscheidungen akzeptieren konnte.

Eine solche Anerkennung erlangten Raffael, Rubens und später Marc Chagall, Salvador Dali und Pablo Picasso.

Aber es gibt auch andere Beispiele – etwa Klimt und Schiele. Der erste hatte eine glänzende Karriere und war der erfolgreichste Künstler Wiens. Der zweite ist sein Schüler. Er lebte ein unglückliches kurzes Leben und erhielt erst ganz am Ende Anerkennung.

Daher kommt es vor, dass das Motto des Künstlers zum Ausdruck „l’art pour l’art“ wird – „Kunst um der Kunst willen“. Und das Geld muss verdienen ansonsten. Das hat zum Beispiel der berühmte da Vinci getan.

Können wir Künstlerlegenden von Fakten trennen?

Reden wir weiter über Leonardo und schauen wir uns seine Mona Lisa an. Um dieses berühmte Gemälde ranken sich viele Legenden. Es wird beispielsweise angenommen, dass der Künstler Musiker engagierte, damit sich das Model beim Zeichnen nicht langweilte. Und gerade dank dieser Musik entstand das berühmte Lächeln von Gioconda. Und im Allgemeinen hat der Künstler die Lippen des Mädchens nur 12 Jahre lang bemalt.

Es ist hier schwierig, Fakten von Spekulationen zu trennen. Wir wissen fast nichts darüber, wie es tatsächlich funktioniert hat da Vinci und seine Zeitgenossen. Ja, wir können zum Beispiel Leonardos Tagebücher studieren. Aber seine Notizen zu verstehen ist keine leichte Aufgabe.

Die Biografien Leonardos und seiner Zeitgenossen sind uns aus den Aufzeichnungen des Künstlers und Kunstkritikers Vasari bekannt. Wir wissen jedoch nicht, wie genau die Fakten in diesen kanonisch gewordenen Werken widergespiegelt werden.

Vasari beschreibt beispielsweise die Augenbrauen der Mona Lisa. Aber auf der Leinwand sind keine Augenbrauen zu sehen. Darüber hinaus fehlen sie nicht nur in der endgültigen Fassung. Unter der äußeren Schicht sind auch die Augenbrauen nicht sichtbar, wenn man das Bild mit einem Röntgenbild betrachtet. Es stellt sich heraus, dass Vasari dieses Bild entweder nicht selbst gesehen hat und ihm „Rabinovich vorgesungen“ hat, oder er hat es gesehen, aber aus dem Gedächtnis darüber geschrieben und sich geirrt.

Aber es gibt auch Fakten, derer wir uns sicher sind. Leonardo schrieb La Gioconda sehr lange und behandelte es mit besonderen Emotionen. Er begann mit der Arbeit, nachdem er 1467 den Auftrag erhalten hatte. Dann gab er das Gemälde nie an den Kunden weiter und nahm es lange mit sich. Nach 40 Jahren kehrte Leonardo zur Arbeit zurück. Vielleicht hat er nur ein paar Schlaganfälle hinzugefügt – selbst mit Hilfe der Röntgenaufnahmen können wir nicht genau sagen, in welchem ​​Jahr der jeweilige Schlaganfall durchgeführt wurde. Wir wissen jedoch, dass der Künstler das Gemälde viele Jahre nach Beginn der Arbeiten fertigstellte.

Wen zeichnen Künstler eigentlich in ihren Porträts?

Die Antwort scheint offensichtlich: diejenigen, die ihnen als Vorbilder dienen. Aber wenn wir über die Mona Lisa sprechen, kann man viele Spekulationen darüber hören, wen Leonardo wirklich darstellen wollte. Manche glauben das selbst. Oder sogar Christus.

Tatsächlich ist es nicht sehr wichtig, wer als Modell für das Bild diente. Oft ist ein Porträt nur ein Bild. Nehmen wir an, die Person auf der Leinwand ist der Person, die posiert hat, sehr ähnlich. Jedes Gemälde ist jedoch auch ein Porträt des Künstlers selbst. Aber nicht, weil er sein Aussehen immer malt.

Dabei kommt es nicht auf die Form, sondern auf den Inhalt an. Das heißt, die Botschaft, die Bedeutung, die der Künstler jedem seiner Werke verleiht. Und diese Botschaft hängt ganz vom Ersteller ab.

Welche Rolle spielten Frauen in der klassischen Kunst?

Sie wurden oft zu Musen für Schöpfer. Doch es gelang ihnen selten, selbst eine klassische Ausbildung zu erhalten und Künstler zu werden.

Dies ist einer der Gründe für die Einschränkung. Jedes Gemälde oder jede Skulptur ist ein Sinnesobjekt. Kreativität war schon immer mit Sexualität verbunden. Dabei handelt es sich größtenteils um Sublimation, also um die Lenkung der Sinnesenergie in eine andere, kreative Richtung. Und das wissen wir KünstlerDiejenigen, die klassische Kunst schufen, malten oft nackte Frauenfiguren. Zu diesem Zweck posierten für sie Models.

Allerdings war es in vergangenen Jahrhunderten unmöglich, an ein Mädchen zu denken, das einen nackten Mann zeichnete. Sie konnte nicht einmal mit ihm im selben Raum sein.

Dies bedeutet jedoch nicht, dass Frauen die Kunst in keiner Weise beeinflusst haben. Im Gegenteil, ohne sie hätte es kaum ein hohes Niveau erreicht.

Kürzlich wurde das Prado-Museum hergestellt Projekt El Prado für Frauen. Seine Schöpfer drehten ein Video, in dem alle Gemälde, die die Frau bestellt, gekauft oder in ihre Sammlung aufgenommen hatte, von den Wänden des Museums verschwanden. Infolgedessen verschwanden im Video fast alle wichtigen Meisterwerke aus den Museumshallen.

Kann ein gewöhnlicher Mensch und kein Spezialist zeitgenössische Kunst verstehen?

Jedes Gemälde, jede Skulptur, jedes Werk der dekorativen und angewandten Kunst, jede Melodie ist eine Botschaft. Und es wird in einer bestimmten Sprache ausgestrahlt. Das bedeutet, dass Sie zum Entschlüsseln dieser Nachricht die Sprache kennen müssen, in der sie übermittelt wird.

Wenn eine Person einige Personen oder Gegenstände auf einem Bild sieht, scheint es ihr oft, dass alles klar ist. Der Betrachter könnte denken: Das ist eine realistisch gezeichnete schöne Frau – was ist daran unklar? Aber er sieht die Allegorien nicht, weiß nicht, welche Geschichte im Bild verschlüsselt ist, erkennt die damit verbundenen literarischen Zitate nicht. Wenn er Heilige sieht, weiß er möglicherweise nicht, wofür sie berühmt sind, welche Attribute neben ihnen stehen oder warum diese Attribute benötigt werden. Und am Ende versteht er nicht die Botschaft, die der Künstler vermitteln wollte.

Aber die Person kommt zu dem Schluss: „Ich verstehe das, weil hier Leute sind. Aber hier sind es nur Flecken, meine fünfjährige Tochter wird genauso zeichnen – das verstehe ich nicht.“

Aber damit eine Beziehung entsteht, müssen Sie verstehen, was Ihnen genau gesagt wurde. Wenn der Satz in der Sprache eines Fremden klingt Sprache - zum Beispiel auf Vietnamesisch oder Ungarisch - wird er nichts wahrnehmen. Und er wird die Nachricht nicht erhalten, auch wenn sie äußerst wichtig ist und sein Leben verändern könnte.

Wir kommen zu dem Schluss: Kunst zu verstehen bedeutet, die Sprache, die der Künstler spricht, gut zu kennen. Wenn Sie diese Sprache nicht verstehen, ist es unmöglich, den Künstler zu hören.

Wie man lernt, Kunst zu verstehen

Es lohnt sich zu verstehen, was Ihnen genau gefällt und was Ihnen gefällt. Dazu müssen Sie verschiedene Dinge ausprobieren. Es ist wie bei Produkten: Man kann verschiedene Saftsorten vergleichen und dann entscheiden, dass einem das Bier immer noch besser schmeckt. Aber zuerst müssen Sie jedes Getränk probieren.

Wenn Sie begonnen haben, sich damit vertraut zu machen Kunst, denken Sie an zwei Regeln:

1. Das Interesse am Bild beginnt beim zweiten Betrachten. Wenn Sie es sich noch einmal ansehen möchten, bedeutet das, dass etwas darin ist.
2. Haben Sie keine Angst vor Spoilern. Bevor Sie ins Museum gehen, können Sie darüber lesen. Und schauen Sie sich die 20–30 Meisterwerke an, die dort aufbewahrt werden. Sie sind beispielsweise auf der Plattform leicht zu finden Google Arts&Culture.

Schauen Sie sich zunächst nur die Bilder an, blättern Sie durch die Seiten – im ersten Schritt reicht das. Öffnen Sie gleichzeitig in neuen Registerkarten die Leinwände, die Ihre Aufmerksamkeit erregt haben. Dann schauen Sie sich diese Werke noch einmal an, lesen Sie darüber.

Wenn Sie später ins Museum gehen, gehen Sie direkt zu den Gemälden, die Sie interessieren. Das heißt, zu bereits bekannten Leinwänden. Dies ist notwendig, damit Sie Ihre wertvollste Ressource – die Aufmerksamkeit – nicht verschwenden.

Schauen Sie sich daher nur das an, was Sie im Vorfeld geplant haben. Und dann versuchen Sie, aus allem, was Sie gesehen haben, drei Werke herauszugreifen:

1. Was Ihnen am besten gefallen hat.
2. Was Ihnen am wenigsten gefallen hat.
3. Was Sie am seltsamsten fanden.

Nehmen Sie dann Ihr Smartphone und schalten Sie es ein Alarmso dass es in fünf Minuten klingelt. Es ist sehr wichtig, dass Sie nicht die ganze Zeit auf den Bildschirm schauen. Stellen Sie ihn also als Wecker und nicht als Timer dar. Und sprechen Sie fünf Minuten lang mit dem ausgewählten Bild. Sprechen Sie unbedingt laut und nur leise – Sie befinden sich immer noch in einem Museum. Sprechen Sie in einem durchschnittlichen Tempo, ohne Wiederholungen. Fahren Sie fort, bis der Alarm ertönt.

Nun, wenn Sie diese Technik jedes Mal wiederholen, wenn Sie eine neue Ausstellung besuchen, werden Sie mit der Zeit Wahrnehmungserfahrungen sammeln. Und Sie werden Kunst besser interpretieren können.