Eine kurze Geschichte des Kinos von der Mitte des 20. Jahrhunderts bis zur Gegenwart: ein Auszug aus dem Buch von Anton Dolin
Bücher Cinema / / December 28, 2020
Die Blütezeit des Autorenkinos
Seit Mitte der 1950er Jahre sind Filmemacher und Filmemacher auf der ganzen Welt entstanden, jeder mit seinem eigenen Stil und Stil. Einige von ihnen respektieren sich gegenseitig, andere verachten im Gegenteil und die Mehrheit baut ihr eigenes künstlerisches Universum auf, das von Mitarbeitern und Fans bewohnt wird.
In den 1950er bis 1970er Jahren erreichte das Autorenkino seinen Höhepunkt: Die Leute sehen es sich an, verbieten es, preisen es, streiten heftig darüber, schreiben Artikel und ganze Bücher. Zum ersten Mal sprechen Theoretiker ernsthaft über Kino als eine Kunst, die ihren älteren Brüdern - Theater, Literatur, Malerei oder Musik - in nichts nachsteht.
In der Sowjetunion trotz der Zensur ein kompromissloser Autor Film und einzigartige Künstler: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.
Zehn Filme zum Ausprobieren:
- Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Japan;
- "Seven Samurai", 1954, Akira Kurosawa, Japan;
- Das Wort, 1955, Karl Theodor Dreyer, Dänemark;
- Das siebte Siegel, 1957, Ingmar Bergman, Schweden;
- "Abenteuer", 1960, Michelangelo Antonioni, Italien;
- La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Italien;
- A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Großbritannien / USA;
- Schönheit des Tages, 1967, Luis Buñuel, Frankreich;
- Angst frisst die Seele, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Deutschland;
- Spiegel, 1974, Andrei Tarkovsky, UdSSR.
Neues Hollywood
Dieser Trend des amerikanischen Autorenkinos wurde teilweise vom europäischen und asiatischen Kino sowie von der Festivalbewegung beeinflusst. Seine Geburt ist mit der Abschaffung des Hayes-Zensurgesetzes verbunden, der strenge Regeln für das, was erlaubt ist und was, vorschreibt kann nicht im Kino gezeigt werden und mit der Krise des amerikanischen "Studio" -Systems, in Selbstwiederholung ertrunken und müde Zuschauer.
Junge Filmemacher-Filmfans fühlten sich als Teil der Weltkulturgemeinschaft. Sie gaben alle Einschränkungen auf und erkundeten die Tabubereiche des amerikanischen Lebens. Gleichzeitig waren ihre Filme beliebt und erhielten volle Häuser, wurden für Filmpreise nominiert und gewannen sie.
Soziale Probleme und das Studium des Traumas des gewöhnlichen Amerikaners in New Hollywood-Filmen haben ersetzt konventionelle Filmgesetze des Genrekinos mit seiner obligatorischen und oft im Dienst Happy End.
Fünf Filme zum Ausprobieren:
- The Graduate, 1967, Mike Nichols, USA;
- Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, USA;
- Der Pate, 1972, Francis Ford Coppola, USA;
- Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, USA;
- "Scarface", 1983, Brian De Palma, USA.
Blockbuster
Mitte der 1970er Jahre fand im amerikanischen und dann im Weltkino eine kommerzielle Revolution statt. Junge Einwanderer aus New Hollywood George Lucas und Steven Spielberg Sie drehen unglaublich beliebte Genrefilme für ein junges Publikum, die alle Kassenrekorde brechen. Von diesem Zeitpunkt an wechselt Amerika allmählich von der Massenproduktion ernsthaften Kinos zu erwachsenes Publikum für Unterhaltungsfilme im Teenageralter - echte kommerzielle Maschinen zum Geldverdienen Geld. Sie werden "Blockbuster" genannt - wörtlich "Nachbarschaftszerstörer".
Blockbuster sind immer noch das Herzstück von Hollywoods Studiokraft und der Vitalität der amerikanischen Filmindustrie.
Fünf Filme zum Ausprobieren:
- Jaws, 1975, Steven Spielberg, USA.
- Star Wars, 1977, George Lucas, VEREINIGTE STAATEN VON AMERIKA.
- Alien, 1979, Ridley Scott, USA.
- The Terminator, 1984, James Cameron, USA.
- Die Hard, 1988, John McTiernan, USA.
Postmodernismus
Dieses Wort macht vielen Angst. Einerseits kann niemand kurz und klar beschreiben, was damit gemeint ist. Andererseits wurden so viele Studien und Bücher über ihn geschrieben, dass zu viel gemeint ist.
Im Kino werden klare Manifestationen der Postmoderne das Hierarchiesystem (sowohl urheberrechtlich als auch kommerziell) missachtet Kino), allgegenwärtige Ironie, allgegenwärtige Zitate aus den Klassikern des Kinos, Mangel an Moralismus und lehrreich. Neben einer Mischung aus Genres und Stilen, Nichtunterscheidung zwischen "hoher" Kunst und Massenkultur, die Einbeziehung des Betrachters in Betrachten als eine Art kulturelles Spiel, in dem er gefragt wird, was tatsächlich drin ist kümmere dich um den Autor.
Seit Mitte der 1980er Jahre hat die Postmoderne die Kinematographie auf der ganzen Welt übernommen.
Zehn Beispiele zum Ausprobieren:
- Blue Velvet, 1986, David Lynch, USA;
- "ASSA", 1987, Sergey Solovyov, UdSSR;
- Frauen am Rande eines Nervenzusammenbruchs, 1988, Pedro Almodovar, Spanien;
- Nikita, 1990, Luc Besson, Frankreich;
- Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japan;
- «Kriminalroman», 1994, Quentin Tarantino, USA;
- Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, USA;
- Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Dänemark;
- Funny Games, 1997, Michael Haneke, Österreich;
- "Über Freaks und Menschen", 1998, Alexey Balabanov, Russland.
Feste
Die ersten Filmfestivals fanden bereits vor dem Zweiten Weltkrieg statt. Die einflussreichste Filmshow war Venedig, das 1932 auf persönliche Initiative des Diktators Benito Mussolini gegründet wurde. Die Festspiele von Cannes wurden erstmals Ende des gleichen Jahrzehnts als Alternative und Gegengewicht zu den Festspielen von Venedig konzipiert, bei denen faschistische Ideen immer einflussreicher wurden. Die Pläne waren nicht dazu bestimmt, wahr zu werden: Der Krieg begann. Infolgedessen fanden 1946 die ersten Festspiele von Cannes statt.
Die wichtigsten Filmvorführungen in Europa gelten traditionell als Festivals in Berlin (Februar), Cannes (Mai) und Venedig (August-September), die prestigeträchtigsten sind ihre Preise: "Goldener Bär", "Goldene Palme" und "Goldener Löwe" beziehungsweise. Darüber hinaus finden seit langem berühmte Festivals in Locarno und Rotterdam, Karlsbad und San Sebastian, Toronto und Busan statt.
Es gibt weltweit mehr internationale Filmfestivals als Tage im Jahr.
Zwanzig Festivalsieger zum Ausprobieren:
- Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japan (Venedig);
- "Pay for Fear", 1954, Henri-Georges Clouzot, Frankreich (Cannes);
- "12 Angry Men", 1957, Sidney Lumet, USA (Berlin);
- Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Spanien (Cannes);
- Iwans Kindheit, 1962, Andrei Tarkovsky, UdSSR (Venedig);
- Die Regenschirme von Cherbourg, 1964, Jacques Demy, Frankreich (Cannes);
- Militärisches Feldkrankenhaus, 1970, Robert Altman, USA (Cannes);
- The Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italien (Berlin);
- "Ascent", 1977, Larisa Shepitko, UdSSR (Berlin);
- All That Jazz, 1980, Bob Fosse, USA (Cannes);
- "Name: Carmen", 1983, Jean-Luc Godard, Frankreich (Venedig);
- "Paris, Texas", 1984, Wim Wenders, Deutschland (Cannes);
- Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, China (Berlin);
- Barton Fink, 1991, Ethan und Joel Coen, USA (Cannes);
- Das Klavier, 1993, Jane Campion, Neuseeland (Cannes);
- Es lebe die Liebe, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Venedig);
- Spirited Away, 2002, Hayao MiyazakiJapan (Berlin);
- Stillleben, 2006, Jia Zhangke, China (Venedig);
- "4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage", 2007, Cristian Mungiu, Rumänien (Cannes);
- "Onkel Boonmi, der sich an seine früheren Leben erinnert", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Thailand (Cannes).
Apropos
Wer braucht Festivals und warum?
Viele glauben, dass dies eine Art "Eitelkeitsmessen" ist, die nur wegen des Klatsches existieren - Walking-Outfits auf dem roten Teppich. In der Tat sind Filmfestivals eine Art Mechanismus, der eine Alternative zum Hollywood-Studiosystem für Vermietung und Werbung (sowie zu seinen Analoga auf der ganzen Welt) bietet.
Eine professionelle Jury und Filmkritiker schauen sich völlig neue Filme an (normalerweise gehören sie zum Bereich des Autorenkinos) und wählen die talentiertesten aus. Die ganze Welt wird davon erfahren: Sowohl die Intrigen rund um die Auszeichnung als auch die Klatschkolumne helfen. Neben den Festivals gibt es Filmmärkte, auf denen Angebote für den Verkauf und Kauf von Filmen gemacht werden, nicht nur für Werbe- und Genrefilme, sondern auch für Autoren-, Avantgarde- und Experimentalfilme. Fast alle bedeutenden Regisseure der Nachkriegsfilmgeschichte sind durch Festivals berühmt geworden.
"Oscar"
Die Menschheit ist sich sicher, dass der Oscar die höchste Auszeichnung im Bereich des Kinos ist, und es ist unmöglich, ihn zu überzeugen. Aber der Oscar ist ein rein amerikanischer Industriepreis, in dessen begrenzten Koordinaten es oft gibt ganze Kinematographie unbemerkt: Immerhin werden nur Filme vergeben, die im Laufe des Jahres veröffentlicht wurden VEREINIGTE STAATEN VON AMERIKA.
Vielleicht legen sie so viel Wert auf die Auszeichnung, weil die Oscars eine spektakuläre Show sind. Oder weil die berühmtesten
Die Stars der Welt sind Hollywood. Vor allem aber natürlich, weil das amerikanische Kino das beliebteste der Welt ist.
Der Grund ist einfach. Die Franzosen machen Filme für die Franzosen, die Dänen für die Dänen, die Indianer für die Indianer, die Chinesen für die Chinesen und die Russen für die Russen. Es gibt Ausnahmen von dieser Regel, aber sie sind selten und unbedeutend. Und nur Hollywood macht Filme nicht für Amerikaner, sondern für die ganze Welt.
Zwanzig beste Oscar-Filme zum Ausprobieren:
- Es geschah eines Nachts, 1935, Frank Capra, USA;
- Vom Winde verweht, 1940, Victor Fleming, USA;
- Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, USA;
- Alles über Eva, 1951, Joseph Mankiewicz, USA;
- Ben-Hur, 1960, William Wyler, USA;
- The Apartment, 1961, Billy Wilder, USA;
- West Side Story, 1962, Robert Wise und Jerome Robbins, USA;
- Lawrence von Arabien, 1963, David Lin, UK;
- Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, USA;
- "The Godfather - 2", 1975, Francis Ford Coppola, USA;
- Einer flog über das Kuckucksnest, 1976, Milos Forman, USA;
- Annie Hall, 1978, Woody Allen, USA;
- Platoon, 1987, Oliver Stone, USA;
- Rain Man, 1989, Barry Levinson, USA;
- «Schweigen der Lämmer», 1992, Jonathan Demme, USA;
- Schindlers Liste, 1994, Steven Spielberg, USA;
- Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, USA;
- Titanic, 1998, James Cameron, USA;
- Kein Land für alte Männer, 2008, Ethan & Joel Coen, USA;
- Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, USA.
Der bekannte russische Journalist und Filmkritiker Anton Dolin schrieb ein Buch für Kinder und Erwachsene, in dem er wichtige Fragen zum Kino diskutierte. Warum schauen wir Filme? Wie verstehe ich die Filmsprache? Was ist, wenn Sie sich langweilen? Wie verändert sich das Kino und was wird in ferner Zukunft daraus? Ein sehr schöner Bonus - die Illustrationen für die Veröffentlichung wurden von Konstantin Bronzit, einem Künstler, Animator und Oscar-Nominierten, gezeichnet.
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